石崎ひゅーいが語る、新作『Tokyo City Lights』のアコギ・アレンジと弾き語りのこだわり

シンガー・ソングライターの石崎ひゅーいが2026年3月に6thアルバム『Tokyo City Lights』をリリースした。今作では、アコギのストロークが疾走感を生む「HERO」やアルペジオのハーモニーを堪能できる「someday feat.ヤマグチユウモリ（SIX LOUNGE）」、またアコギ1本と歌のみで展開される「手品」など、アコギの音色を活かしたアレンジを堪能できる。またアコギを使った作曲や弾き語りライブにおけるこだわりなども語ってもらった。

取材・文＝角佳音　撮影＝小原啓樹

僕のアコギの始まりは、長澤（知之）くんですね

──初登場ですので、初めてギターを弾いた時のことから教えてください。

　中学1年生の時、教室のうしろにクラシック・ギターが置いてあったんです。たぶん誰かが音楽室からくすねてきたんだと思うんですけど、そのギターで、クラスのみんながレッド・ツェッペリンの「天国への階段」のイントロを弾いていたんです。

　“あれを弾けるやつはかっこいい”みたいなノリがあって、クラスの男子の半分以上があのイントロだけ弾けたんですよ（笑）。なので、クラシック・ギターで一生懸命そのフレーズを弾くというところから始まりましたね。

──最初に触れたのは学校のギターだったんですね。その後、自分のギターと出会ったのは？

　親父が音楽をやっていて、“アコースティック・ギターを弾いていた”と話していたんです。でも家の中には見てもなかったから、“どこにあるの？”って聞いたら、“たぶん倉庫にある”って言われて。

　家の裏に倉庫みたいなのがあって、そこに探しに行ったら、モーリスのギターが1本出てきたんですよ。で、親父が“それやるよ”って言ってくれたんです。それが初めてのマイ・ギターでしたね。

　で、当時は『ソングコング』（ソニーマガジンズ刊）というヒット曲のコード進行が書いてある歌本を見て、スピッツさんや尾崎豊さんの曲で弾き語りをやっていました。

──当時から現在に至るまで、影響を受けたアコギ・プレイヤーはいますか？

　一番影響を受けたのは、ほぼ同い年のシンガー・ソングライターなんですけど、長澤知之くんですね。

　僕がバンドをやっていた頃に、長澤くんのライブを見て、そのギターの弾き方に驚愕したんですよ。エレキもアコギもピックをほとんど使っていなくて、指と爪で弾いているのがかっこいいなと思ったんです。あとコード進行も、“長澤節”みたいなのがあるなとその時から思っていて。

　だから長澤くんに直接、“アコギを教えてくれ”って頼んだんです。さっきは中学生の頃にギターを始めたって言いましたけど、バンドでは自分がギターを弾きながら歌うことはあまりなかったんです。デビューする直前くらいまで、基本はピン・ボーカルだったので、とにかくアコギを教えてもらいたいと思ったんですよ。“シンガー・ソングライターになるなら、ギターが弾けないとやばいな”と（笑）。

　で、長澤くんに頼んだら“いいよ”って言ってくれて、彼のスタジオに教わりに行っていた時がありました。

──具体的にはどのようなことを教えてもらっていましたか？

　例えば3フィンガーなどを教えてもらいましたね。“まずはゆっくりから〜”というふうに。あとは“一緒にビートルズを弾こう”みたいに、音楽を使って遊ぶ中で自然と教わっていきました。

　もしかしたら長澤くんは“教えた”という感覚がそんなにないかもしれないんですけど、こっちは真っさらな状態だったので、全部を吸収できたんです。なので、僕のアコギの始まりは、長澤くんですね。

──作曲についても教えてください。普段の作曲の流れとしては？

　調子が良い時は言葉とメロディが同じタイミングでできるんですよね。1コーラスが頭の中でバーってできる時もあるし、もちろん全然できない時もあります。

　で、基本的にはピアノやギターに向かって作曲することが多いです。割合としては、（ピアノとギターで）五分五分くらいですかね。

──どういう曲を作りたい時にアコギを手に取ることが多いですか？

　アコギをずっと弾いてきたので、僕の中でアコギで曲を作るというのは普通なことなんです。一番自然な行為というか。なので、どちらかというとピアノの時のほうが“よし、作るぞ”となって作り始めることが多いかもしれないですね。

　自宅のリビング、音楽制作部屋、たまに寝室にもアコギを置いているんですけど、持った瞬間にそのまま音が出るので、インスピレーションが湧いた時、すぐについてきてくれるのはやっぱりアコギだなと思います。

引き算をすることで、きれいに完成させられる気がした

──今作『Tokyo City Lights』のテーマから教えてください。アコースティック・ギターに関わる点で考えていたことはありますか？

　機械的で現代的な音とアコギの音を混ぜる時は、“過去と今をつなぎ止める”みたいなイメージがありました。今回のアルバムには“大人の青春”というテーマがあったんですけど、そのテーマの中で、アコギは“時間の経過や記憶などを呼び起こさせるもの”という位置づけだったかもしれないですね。

　あと、アコースティック・ギターってすごく人間味のあるものだなと思っているんです。なので、少し不完全な感じや、あえて整いすぎてない感じを表現するために、“アコースティック・ギターのバッキングにしよう”みたいな流れで選んでいましたね。

──2025年11月から弾き語りツアー“TOUR 2025-2026 Season2 -Acoustic Set-”を開催していましたが、スケジュール上、アルバム制作と重なる時期があったのではないかと想像します。同ツアーが制作にもたらした影響などはありましたか？

　ツアーをやりながら曲を作っていたので、影響を及ぼした部分はあると思います。

　アコースティック・ライブって、バンドのライブと比べるとすごく自由度が高いと思っていて、その分、表現としては繊細だなと思うんです。環境やお客さんのテンションとかにも左右されやすいですし。

　だからこそ今回のツアーは、“すごく丁寧に届ける”ということをテーマにしていたんです。“じゃあ、丁寧って何か”と考えた時に、今回見つけられたなと思うのは、“足す”よりも“引く”ということだったんです。

　これまでは余裕が出てくるとクセで抑揚や間を足すことで表現しがちで。でも、最初はややおさえめにストロークしたり、ミュートさせてリズム楽器のように扱ったり、そういう引き算をすることで、きれいに完成させられる気がしたんですよ。

　アコギはそういう波を作れる楽器なので、起承転結を考えながらライブを作っていったんです。それは1曲の中でも一緒だなと思いましたね。

──「宝島」は、サビの最後の“手をつないで”では、歌詞のリズムに合わせてコードが上行していきます。このパートの役割や意図について教えてください。

　手グセもあると思いますね。メロディの終着地点に合わせてコードを階段で上がったり、下ったりする時に、そのコードの変化を最後だけ細かくすることで、ドラマティックになったり、フレーズが締まって聴こえると思っているんです。

　あと、一定のメロディに対して、コードだけが循環していくというのも好きでよく使いますね。たぶんイギリスのバンドがよく使うパターンだと思うんですけど、あの浮遊感が好きなんです。そういうところからの影響もあると思います。

──先日YouTube上で行なわれたリリース記念の配信ライブでは、収録曲の弾き語りバージョンを披露していましたが、「Tokyo City Lights」は違うキーで演奏していましたね。何か意図があったんですか？

　試しに変えてみたんです。この曲の弾き語りはまだいろいろと試行錯誤しているんですけど、音源よりも弾き語りのほうが音数が少なくなる中で、まずは言葉をもっとはっきりと聴かせたいと思ったんです。音源と同じキーだと言葉が埋もれちゃう感じがするので、半音上げることにしました。

　あと、この曲に関しては淡々とやりたいというのがありましたね。弾き語りでも基本的にはミュートでプレイしていて、開くのは落ちサビだけにしました。それもさっき話した“引き算”ですね。

　“ここを聴かせたい”という時、大事なのはそのパートじゃなくて、実はその前後だったりすると思うんです。なので、どれだけ抑えられるかが大事なのかなと思いながらやっていますね。

──「HERO」は、落ちサビや曲のラストなどで歌とアコギのみのパートが入りますが、これらのパートにはどのような役割があると考えていますか？

　一番大きいのは、情報を削って、言葉と感情をバッと出す役割ですね。うしろでバンドが鳴っていると、どうしてもその音の熱量や勢いに引っ張られるけど、アコギと歌だけだと一気に裸になる。その分ごまかしは効かなくなるんですけど、言葉の輪郭や息遣いはより出てくると思うんです。

　このパートがあることで、曲がすごくドラマティックになりますし、言葉を一番印象づけたい時にアコギと歌だけのパートを入れるというのは、僕の曲ではわりと多い手法ですね。

──「someday feat.ヤマグチユウモリ（SIX LOUNGE）」は、アコギのアルペジオが楽曲全体で聴こえてくる楽曲ですが、どのような流れで制作していきましたか？

　元となる部分はアコギ弾き語りベースでヤマグチユウモリくんが作ってくれました。そこからふたりの中でメロディやコード進行を詰めていって、最終的にアレンジャーのCarlos.Kさんにお渡しするという流れでしたね。

　でも、最初はアコギにフィーチャーする雰囲気ではなかったんです。もう少し電子音に寄っていたんですけど、歌詞で“男の情けなさ”を表現したいという思いがあったので、アコギの土臭さみたいなものを出したかった。それで、Carlos.Kさんがあのアルペジオのフレーズを考えてくれたんです。絶妙なバランスで、耳にも残るフレーズだなと思っていますね。

　土台としてアコギを使うこともできたと思うんですけど、そうすると自分たちが思ってるよりもちょっと重たくなりすぎるんだろうなと。どちらかというとウェイトが軽いものをふたりでやってみたいというのもあったので、軽やかでさわやかな聴き心地にしたくて、最終的にあのような形となりました。

ガット・ギターにスチール弦を張っているんですよ

──「白熱」も配信ライブで弾き語りバージョンを披露していましたが、Aメロ→Bメロ→サビとバッキングのリズムが変化していくことで曲に展開が生まれていますよね。アコギのバッキング表現で意識していることは？

　バッキングがすごく好きで。僕が唯一ギターで誇れることは、バッキングだと思っているんです。シンガーソングライターあるあるなのかもしれないですけど、歌い手なので、どう歌うかを自分で決められるわけじゃないですか。で、歌と合わせるギターの強弱や抑揚、間なども、たぶん自分自身が一番合うものを弾けるはずなんですよ。

　「白熱」はこの間の配信ライブで初めてやったばかりで、まだこれからなんですけど、すごく熱い歌で、人の息のようなものを感じやすい曲なので、それに合うアコギの熱量を見つけたいなと思っています。

　ただ難しいのは、歌は熱くてもバッキングは正確にやったほうが良い、みたいなバランスもあると思うので、何が正解かはまだわからないんですけど、つかんでいかないとなと思っていますね。

──「手品」は、映画『あなたの息子ひき出します！』の主題歌にもなっていますが、どのような流れで作っていきましたか？

　僕もこの映画に出演させてもらったんですけど、その撮影の最中にこの曲が頭に浮かんできて、監督に聴かせたいなと思ったんです。で、リビングでアコギを持ってiPhoneのボイスメモで弾き語りをしたものを監督に渡したら、“主題歌に使いたい”って言ってくれて。

　音源ではリバーブもカットして、すごくドライな音にしました。今作の中でとにかく一番シンプルなものにしようという思いはあったかもしれません。

──このアコギのパートは、レコーディングでは石崎さんがプレイしたんですか？

　いえ。レコーディングするってなった時に浮かんだのが、石成正人さんだったんです。昔からすごくお世話になっていて、大好きなギタリストなんですが、石成さんのアコギに合わせて自分が歌ってるイメージがバーって浮かんだんです。

　この曲では、ガット・ギターにスチール弦を張っているんですよ。たしかレコーディング前に“（この曲は）ガットっぽい感じかもしれません”というのを石成さんに伝えたのかな。当日、ガットを持ってきてくれたんです。だから、ガット特有の温もりやふくよかさがあるんだけど、スチール弦だから倍音もあるという。“そんな技があるんだ！”と思って見ていました（笑）。

　コード・アレンジも石成さんにお願いして、今の形にしてもらったんですが、素晴らしいなと思いましたね。“最初、ルートがAのコードだけでどこまで行くの？！”みたいな。音もすごくすてきですし、コード選びが秀逸なんですよ。

──プロの技を感じますね。ちなみに、今作のレコーディングで石崎さんがプレイした曲はありますか？

　「しょうが焼き」は自分で弾いていますね。